Ensayo:
San Miguel de Cuixá y
Pablo Casals
Autor: Juan Lorenzo Hernández.
Caracas, noviembre de 2007
Introducción:
Cuando ha quedado para la historia una polémica no es difícil insistir en el por qué de ella. San Miguel de Cuixá, Sant Miquel de Cuixà (en catalán) o Saint-Michel de Cuxa (en francés) es un punto de referencia para los conocedores de la historia del arte, particularmente para los que abordan el tema medieval; se trata de una abadía con particulares características que la constituyen como representación de la transición entre dos periodos de la historia; prueba de ello esta en que luego de haber existido por más de mil años los capiteles de su claustro siguen siendo banquete para estudiosos y turistas. Hoy día partes de ella pueden ser apreciadas en los Museos Metropolitano de Nueva York y de Arte de Philadelphia.
Ahora bien, Pablo Casals (Pau Casals) máximo cellista de todos los tiempos y hombre de férreos principios quien en un acto de solidaridad con su patria (España) gobernada por un tirano, había decidido no hacer presentaciones en público. Sin embargo, en 1955 se presenta en la abadía y toca en una capilla la cual no tiene techo.
Entonces, qué tiene esta abadía y por qué parte de su ornato fue a para a Nueva York y a Filadelfia ; Quién es Pablo Casals y por que tanta trascendencia por el hecho de haber ido a tocar en ella. Estos son los temas que abordaré en las próximas páginas.
I San Miguel de Cuixá
Entendido por los conocedores como una muestra de la transición entre el arte prerrománico y el románico, resulta que su origen se encuentra en la abadía de San Andrés de Eixalada, fundada hacia el 840 y situada en lo más alto del valle del Têt (Abbaye Saint Michael de Cuxa).
En el otoño de 878, una fuerte crecida del río destruyó el monasterio (situado cerca del lecho del río), obligando a los monjes a refugiarse en los alrededores. La comunidad fue transferida a Cuixá. En su nuevo emplazamiento la abadía continuó beneficiándose de la protección de los condes de Cerdaña-Conflent. En los años 940 una nueva iglesia, dedicada a San Miguel, fue construida. En el 956 se reconstruye el edificio para hacerlo más suntuoso y su altar mayor es consagrado el 30 de septiembre de 974.
El 1008, Oliba, el último hijo de Seniofred, es elegido abad de Ripoll y de Cuixá. Durante su abadiato se transformó totalmente la abadía, se construyeron delante de la iglesia las dos capillas superpuestas: la ''Trinidad'' y la cripta del Pesebre, con forma de anillo y un pilar en el centro, ambas se comunicaban con San Miguel mediante un deambulatorio. Se añadieron tres ábsides al santuario, la cripta, el atrio y dos campanarios lombardos. A principios del siglo XII se reconstruye el claustro con 63 columnas de mármol y capiteles esculpidos, los motivos de los mismos son vegetales, animales, y escenas heroicas. Asimismo se construye una tribuna en mármol dentro de la iglesia.
Los períodos siguientes de la Edad Media, no son boyantes para Cuixá. Sin embargo la riqueza de la abadía es evidente, con un dominio territorial realmente importante y una jurisdicción "quasi episcopal".
A partir del siglo XVI los monjes ya no viven monacalmente. La abadía desaparece y sus edificios son vendidos instalándose en ellos naves industriales y agrícolas. A lo largo de este siglo los edificios de alrededor de la iglesia van destruyéndose; el claustro es vendido, capitel por capitel, lo mismo que la fuente a los anticuarios y a los amantes del coleccionismo. En 1908 no quedan más que doce columnas. Es así como en 1913, un escultor norteamericano George Gry Barnard, que ya había comprado algunas esculturas de Cuixá a un anticuario parisien, se desplaza a este lugar y adquiere muchas de las obras que se hallaban diseminadas por España. Las mismas dan origen a la reconstrucción del claustro en el Cloister Museum de Nueva York (The Cuxa Cloister). Sin embargo, Barnard, no pudo comprar la serie que adornaba el edificio de los baños de Prades, por cuya conservación se movilizó el pueblo: “los habían comprado ellos y pertenecían a Francia”. Estos capiteles fueron utilizados para la posterior reconstrucción en 1955. En 1954 Pablo Casals inaugura el festival de música clásica de Prades.
II
¿Cómo es? La Abadía de San Miguel de Cuxa es un edificio complejo formado por tres iglesias. Dos de ellas siguen en pie. La más grande es dedicada a San Miguel. Las demás estaban superpuestas y situadas al oeste de San Miguel, en la alineación de la nave. La iglesia superior, bajo la advocación de la Trinidad, desapareció. La iglesia inferior que subsiste tiene un plano circular. Es dedicada a la Virgen.
Interior de la Iglesia de San Miguel . Los seis tramos de la nave son abovedados por un armazón que fue renovado en el siglo XX, según los planos del siglo XV. La nave central está separada de las naves laterales por arcos de medio punto, que reemplazan arcos de herradura. Éstas tienen medias bóvedas de medio punto. Los arcos son estrechos y las paredes parecen ininterrumpidas. El sur de la nave tiene cuatro ventanas superiores. El crucero es bajo y muy ancho. Una tribuna, fue añadida en el año 1040. Destruida en el siglo XIV, se pueden ver vestigios bonitos en el claustro
II Pablo Casals
Nació en el Vendrell (Tarragona, España) el 29. 12. 1876, de madre nacida en Puerto Rico, donde sus abuelos, maternos, habían ido a trabajar y de vocación pacifista la que mandó a su hijo mayor fuera del país para que no fuese al servicio militar; y de padre catalán, organista de la iglesia local y quien deseaba que fuese carpintero. Siempre reclamó que le llamasen Pau, no solo porque era su nombre en catalán, lengua que siempre defendió, sino también porque en catalán la palabra “pau” significa “paz”. (Pau Casals). Casó por primera vez en 1914 con la soprano estadounidense Susan Metcalfel y por segunda vez, con Martha, una joven estudiante. Visitó por primera vez Puerto Rico en 1957 donde vivió hasta su muerte el 22. 10. 1973. En 1979, restablecida la democracia en España, sus restos fueron trasladados a su pueblo natal.
Su crecimiento y caracterización personal están dados por su lugar de nacimiento: “Catalonia”, una muy pequeña región montañosa de un verde intenso enclavada en los Pirineos con una fiera historia independentista y democrática, vecina a España en la cual su cultura e idioma han sido varias veces prohibidas.
Casals quien esta considerado como el más grande Cellista de todos los tiempos, no oyó nunca uno hasta que cumplió 11 años de edad, antes dio señales de ser un niño con particular facilidad para el canto, así como para tocar piano, violín y cuando le crecieron los pies, el órgano.
Entre los aportes de Casals a la música esta el haber creado un estilo que destacara las sensaciones. Veamos, hasta que empezó a ejecutar el instrumento este estaba imposibilitado de trasmitir mayores sensaciones protagónicas y más bien estaba relegado a ser un elemento de acompañamiento, ello debido a que la técnica que se consideraba apropiada y con la que se formaban los ejecutantes consistía en un riguroso entrenamiento en el cual se obligaba al estudiante a sostener un libro bajo el brazo para restringir los movimientos y producir tonos invariables. Casals desde sus primeras lecciones se enfrentó y se rebeló contra ello resolviendo liberar al cello de la subordinación que tenia a los coros. Es así, como revoluciona la técnica de la ejecución mediante el uso de pequeñas movimientos en lugar de un amplio desplazamiento del codo, logrando de esta manera con el arco el sombreando y la calidad tonal para enfatizar la esencia musical. También, fue pionero en la percusión digital, eso quiere decir deteniendo decisivamente las cuerdas en lugar de desplazando toda la mano entre las notas. Estos aportes hacen que sus interpretaciones tengan una lógica y un sentimiento instintivo de estructura y significado. Eso ha sido llamado el estilo de sensación. Su primer trabajo profesional fue en el “Café Tost” en Barcelona donde es observado por Isaac Albeniz, uno de los más famosos compositores y pianistas españoles, quien impactado por el niño lo conduce a Madrid y arregla un patrocinio Real para su educación. De allí que se ha criticado que con sus credenciales de ser un hombre de pueblo acepte prebendas de origen real. Otra crítica esta referida a su cruel abandono de la primera esposa en oposición por la devoción que tuvo de la segunda.
Visión social A través de su carrera nunca olvidó sus raíces y su permanente conciencia de ser un ser humano. Más que un compromiso con la elite, Casals creyó que la gente que ha producido la riqueza de un país debía compartir su tesoro cultural, fue así como junto con la Orquesta Filarmónica de Barcelona promovió una amplia serie de conciertos en la cual solo los obreros de bajo salario podían suscribirse, su costo fue algo como 1 dólar por toda la temporada, al respecto decía “Que aquello significaba más que cualquier aplauso que hubiera recibido”
Visión universal Se consideró a sí mismo un artista que deseó mantener la fe con principios humanos. El vio la música como una afirmación de la belleza de los seres humanos para ser usada como una fuerza para la elevación de la humanidad, en ese mismo sentido creyó que los artistas no estaba exceptuados de de deberes sociales y de hecho tenían una responsabilidad social porque sus voces pueden ser escuchadas cuando las de los demás no. Los artistas tienen conciencia, insistía, y deben buscar la justicia y felicidad, “cuando yo veo la sangre inocente derramada y las lagrimas de las victimas de la injusticia, empieza a ser más importante para mi la música y los recitales de cello”.
Luego de la caída de la República española, jura nunca regresar hasta que su país alcance la democracia; sale al exilio en la villa de Prades en los Pirineos franceses muy cerca de la frontera española. Bajo la ocupación Nazi lo mantienen bajo arresto domiciliario.
Casals sólo conoció dos armas su cello y su bastón, un día hizo uso de ellas: estando en Inglaterra interrumpió una sesión de grabación del Concierto de Cello de Haydn haciendo un llamado de conciencia: nunca más dará un concierto público hasta que la democracia regrese a España. Se retira a Prades con el fin de demostrar que el silencio del más aclamado de los cellistas se mantiene como un mudo testimonio ante el inmoral silencio de los gobiernos del mundo.
En 1955, y a condición de que todas las ganancias fueran destinadas al sostenimiento de un hospital, toca en la capilla de la de San Miguel.
III Dos hechos de relevancia para la historia del arte,
uno, una abadía de con más de mil años de historia, sus hechos relevantes: poseer características propias que la definen y la hacen ejemplo como el encuentro de dos periodos; dos, un músico que crea e impone un estilo de ejecutar el cello el que universalmente es reconocido por exaltar los valores del espíritu.
La responsabilidad y sana administración de Casals en su proyección como artista definitivamente esta vinculada con la consecuencia de sus postulados: constancia e integridad con un fin de justicia. De allí, que ante la nesecidad de llamar la atención sobre el desmembramiento que era la abadía decide hacer un sentido llamado al mundo para reforzar la actividad de restauración, así como para conseguir fondos para otros proyectos de culturales como la consolidación como la Orquesta Filarmónica de Barcelona.
Conclusiones: Dado el reconocimiento por la comunidad mundial,
la Abadía de San Miguel de Cuixá y Pablo Casals reflejan identidad en cuanto a su significación para la cultura, sus caracteres propios lo hacen individualizables y de fácil identificación, de allí que muy probablemente puedan ser complementarios y recíprocamente solidarios, motivos estos los cuales podrían ser más ampliamente investigados en el futuro.
Bibliografía: Gutmann, Peter. (s.f.) The Musician and the Man. (recuperado en fecha 20. 10. 07 de http://www.classicalnotes.net/columns/casals.html)
Wikipedia. La enciclopedia libre. Pau Casals. (s. f.) (recuperado en fecha 10. 10. 2007 de.
The Cuxa Cloister [French or Spanish]. In Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000–. Recuperado en fecha 12. 10. 2007 en http://www.metmuseum.org/toah/ho/07/euwf/hod_25.120.398,.399,.452.htm
Abbaye Saint Michael de Cuxa. (s.f., s.a). Recuperado en fecha 7. 10. 07 de http://notes.romanes.free.fr/images/catalan66/cuxa/texte.htm
Índice de ilustraciones:
Página 9 Retrato de Pablo Casals
Página 10 Plano de la Iglesia de San Miguel
Página 11 Torre de la Abadía
Página 12-20 Diversas vistas de los capiteles del claustro de la Abadía
Página 21 Vista completa de una columna
Página 22 Detalle de columna.
Página 23 Fuente del Monasterio de san Miguel de Cuixá actualmente en el Museo de Arte de Filadelfia
martes, 21 de junio de 2011
sábado, 18 de junio de 2011
Definición de Artista, eleboración.
Materia y Forma. Nancy Urosa.
Definición Artista, elaboración.
(7. 5. 2011).
• Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
• En tanto que el artista es una persona que hace cosas que logran hacer que los demás se detengan.
• Es un creador.
• Alguien que desafía los significados.
• Alguien que asume los riesgos.
• Alguien que esta dispuesto a jugársela.
• Alguien que no tiene miedo.
• Alguien que asume la voz de los que no pueden expresarse.
Se trata de un asunto de naturaleza reflexiva, un artista es un artista en tanto y en cuanto asuma que lo és, esto por lo que a él concierne, luego, debe ser tenido como tal por las instituciones legitimadoras: crítica especializada, galerías, marchants, etc.
Definición Artista, elaboración.
(7. 5. 2011).
• Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
• En tanto que el artista es una persona que hace cosas que logran hacer que los demás se detengan.
• Es un creador.
• Alguien que desafía los significados.
• Alguien que asume los riesgos.
• Alguien que esta dispuesto a jugársela.
• Alguien que no tiene miedo.
• Alguien que asume la voz de los que no pueden expresarse.
Se trata de un asunto de naturaleza reflexiva, un artista es un artista en tanto y en cuanto asuma que lo és, esto por lo que a él concierne, luego, debe ser tenido como tal por las instituciones legitimadoras: crítica especializada, galerías, marchants, etc.
domingo, 12 de junio de 2011
Mirando la vida con los ojos de un niño, 1953. Traducción mía de un ensayo de Matisse
Mirando la vida con los ojos de un niño, 1953.
Traducción libre por Juan Lorenzo Hernández.
Resumen:
En este ensayo Matisse da cuenta que la creatividad empieza con la vista la cual por si misma es una operación creativa. Un canon esencial para Matisse es que el artista debe mirar todas las cosas como si lo estuviera haciendo por primera vez, como si fuera un niño, sin esa facultad le resultará imposible expresarse en forma personal, original.
Matisse siente que la equivalencia y traspaso de los objetos desde el caos de la actual realidad visual al orden y la estructura de una pintura se alcanza insuflando el dibujo con el mismo poder y belleza que se encuentra en la naturaleza. Concluye una vez más, con que la observación en el acto de creación es equivalente a un acto metafísico de amor y que el amor es la raíz de toda la creación.
________________________________
Ensayo:
Mirando la vida con los ojos de un niño, 1953.
Crear es la verdadera función del artista; donde no hay creatividad no hay arte. Pero, sería un error tener a este poder creativo como talento innato. En arte, el genuino autor no es solo un ser dotado, sino un hombre que ha tenido éxito dando un determinado fin a un complejo de actividades de todo en lo cual el arte es su producto.
Así, para el artista, la creación empieza con la visualización. Ver es propiamente una operación, una actividad creativa la que requiere un esfuerzo. Todas las cosas que nosotros vemos en nuestra vida diaria están más o menos distorsionadas por hábitos adquiridos y esto, es tal vez más evidente en una era como la nuestra cuando los afiches y las revistas de cine con su flujo de imágenes prehechas y se terminan configurando en el ojo como prejuicios para la mente.
El esfuerzo necesario par ver las cosas sin distorsión podrá requerir de coraje; y ese coraje es esencial para el artista quien tiene que ver como si fuera la primera vez que ve: el tiene que ver la vida como la vio como lo hizo cuando era un niño, y si él pierde esta facultad nunca podrá expresarse originalmente, lo que quiere decir, de una manera personal.
Por ejemplo, pienso que, nada es más difícil para el pintor que se dispone a pintar una rosa, porque antes de que él pueda hacerlo debe olvidar todas las rosas que antes hubiera pintado.
Yo siempre he preguntado a los visitantes quienes han venido a verme a Vence si ellos han notado el árbol de manzano que yace sobre la columna corintia que esta en la entrada casi ninguno me ha podido responder afirmativamente y es por el hecho de que cerca hay un cardo tan impresionante que se ha logrado desviar su atención.
El primer paso para crear es ver todo tan real como es y esto requiere un esfuerzo constante. Crear es expresar lo que tenemos dentro de nosotros. Todo esfuerzo creativo viene desde dentro de nosotros. También debemos alimentar nuestros sentimientos y podemos hacerlo solo con materiales derivados desde el mundo que tenemos y que esta ligado a nosotros. Este el proceso desde donde el artista incorpora y gradualmente asimila el mundo exterior dentro de sí mismo hasta que el objeto de su dibujo empieza a ser parte de si. Hasta que él lo tiene dentro de él y lo puede proyectar sobre el lienzo de su creación.
Cuando yo pinto un retrato regreso y regresos a mis bocetos y cada vez es un nuevo retrato que empiezo a pintar. No es uno que estoy mejorando, sino uno un poco diferente que empiezo otra vez y cada vez extraigo de la misma persona un mismo ser.
Con la finalidad de hacer de este escrito algo más completo debo decir que siempre tengo como recurso fotografías de la misma persona a diferentes edades y el resultado final puede mostrarla más joven o de diferentes aspectos de los cuales representaba al momento de posar. La razón es que ese es el aspecto el que me pareció más valedero, el cual reveló la personalidad del que posó.
De esta manera es como una obra de arte es el clímax de un largo trabajo de elaboración. El artista toma de su alrededor todo lo que puede nutrir su visión interna, sea directamente cuando el objeto dibujado aparece directamente en su composición o aun por analogía. De esta manera él se pone dentro de una posición donde él puede crear. Él se enriquece internamente con todas las formas que él ha creado y a las cuales él asignará un nuevo ritmo.
Es en la expresión de ese nuevo ritmo que el trabajo del artista se hace realmente creativo. Para alcanzarlo, él tendrá que tamizar más que acumular detalles y seleccionar por ejemplo y de todas las posibles combinaciones las líneas que más expresan y dan vida al dibujo y buscar los términos equivalentes por los cuales los hechos de la naturaleza son trasferidos al arte.
En mi naturaleza muerta con magnolia, pinté una mesa de mármol en rojo, en otro lugar hubiera usado negro para sugerir el reflejo del sol sobre el mar. Todas esas transferencias no fueron ni cuando menos un capricho ni casualidad sino el resultado de una serie de investigaciones, siguiendo las cuales esos colores los veía como necesarios porque su relación con le resto de la composición en el sentido de dar la impresión que yo quise.
Los colores y las líneas son fuerzas y el secreto para su creación yace en el juego y balance de esas fuerzas.
En la capilla en Vence la cual es el resultado de investigaciones más tempranas, he tratado de lograr ese balance de fuerzas; los azules, verdes y amarillos de las ventanas componen una luz dentro de la capilla la cual no es estrictamente ninguno de los colores empleados, pero es el resultado viviente de su mezcla mutua, en esa luz hecha de los colores empleados traté de jugar sobre todo con el blanco y el blanco de zinc propio de la superficie de la pared que miraba sobre las paredes que miraban a las ventanas sobre las cuales las líneas estaban propuestas para acomodarse aparte. El contraste me permitió dar a la luz su valor máximo de vitalidad para hacer su máximo y elemental valor esencial, coloreándolas, calentándolas y animando toda la estructura a la cual deseaba dar una impresión de espacio ilimitado a pesar de sus pequeñas dimensiones. Através de la capilla toda línea y todo detalle contribuye a dar esa impresión.
Ese es el sentido en que a mi me parece que el arte puede ser señalado de imitar la naturaleza y en el cual el trabajador creativo insuflará vida a la obra de arte.
De ser así, el trabajo realizado lucirá fértil y como poseído de la misma fuerza de emocionar al mismo tiempo que resplandecientemente bello y como lo encontramos en obras de la naturaleza.
Un gran amor es necesario para alcanzar ese efecto, un amor capaz de de inspirar y sostener ese esfuerzo con la constancia requerida hacia la encendida y calida verdad y la analítica profundidad que acompaña el nacimiento de la obra de arte.
Entonces, ¿no es el amor el origen de todas las creaciones?
AUTOR: HENRI MATISSE
TÍTULO/AÑO: STILL LIFE WITH A MAGNOLIA/ 1941
Técnica/materiales: Pintura/óleo sobre tela
Dimensiones: 73 x 100 cm.
Lugar de ubicación: Musée Nazional d'Art Moderne Centre Georges Pompidou, Paris
Fuente: [En linea] http://www.henri-matisse.net/paintings/dp.html . Intervenida en 12/06/2011 9:50hrs.
Capilla de Vence
- Matisse on art. Jack D. Flam. Phaidom Press Limited. Littlegate House, St. Ebbe’s Street, Oxford. Second edition (paperback) 1978.
Traducción libre por Juan Lorenzo Hernández.
Resumen:
En este ensayo Matisse da cuenta que la creatividad empieza con la vista la cual por si misma es una operación creativa. Un canon esencial para Matisse es que el artista debe mirar todas las cosas como si lo estuviera haciendo por primera vez, como si fuera un niño, sin esa facultad le resultará imposible expresarse en forma personal, original.
Matisse siente que la equivalencia y traspaso de los objetos desde el caos de la actual realidad visual al orden y la estructura de una pintura se alcanza insuflando el dibujo con el mismo poder y belleza que se encuentra en la naturaleza. Concluye una vez más, con que la observación en el acto de creación es equivalente a un acto metafísico de amor y que el amor es la raíz de toda la creación.
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Ensayo:
Mirando la vida con los ojos de un niño, 1953.
- Autor:
- Henri-Emil Benoit Matisse.
- Traducción: Juan Lorenzo Hernández.
Crear es la verdadera función del artista; donde no hay creatividad no hay arte. Pero, sería un error tener a este poder creativo como talento innato. En arte, el genuino autor no es solo un ser dotado, sino un hombre que ha tenido éxito dando un determinado fin a un complejo de actividades de todo en lo cual el arte es su producto.
Así, para el artista, la creación empieza con la visualización. Ver es propiamente una operación, una actividad creativa la que requiere un esfuerzo. Todas las cosas que nosotros vemos en nuestra vida diaria están más o menos distorsionadas por hábitos adquiridos y esto, es tal vez más evidente en una era como la nuestra cuando los afiches y las revistas de cine con su flujo de imágenes prehechas y se terminan configurando en el ojo como prejuicios para la mente.
El esfuerzo necesario par ver las cosas sin distorsión podrá requerir de coraje; y ese coraje es esencial para el artista quien tiene que ver como si fuera la primera vez que ve: el tiene que ver la vida como la vio como lo hizo cuando era un niño, y si él pierde esta facultad nunca podrá expresarse originalmente, lo que quiere decir, de una manera personal.
Por ejemplo, pienso que, nada es más difícil para el pintor que se dispone a pintar una rosa, porque antes de que él pueda hacerlo debe olvidar todas las rosas que antes hubiera pintado.
Yo siempre he preguntado a los visitantes quienes han venido a verme a Vence si ellos han notado el árbol de manzano que yace sobre la columna corintia que esta en la entrada casi ninguno me ha podido responder afirmativamente y es por el hecho de que cerca hay un cardo tan impresionante que se ha logrado desviar su atención.
El primer paso para crear es ver todo tan real como es y esto requiere un esfuerzo constante. Crear es expresar lo que tenemos dentro de nosotros. Todo esfuerzo creativo viene desde dentro de nosotros. También debemos alimentar nuestros sentimientos y podemos hacerlo solo con materiales derivados desde el mundo que tenemos y que esta ligado a nosotros. Este el proceso desde donde el artista incorpora y gradualmente asimila el mundo exterior dentro de sí mismo hasta que el objeto de su dibujo empieza a ser parte de si. Hasta que él lo tiene dentro de él y lo puede proyectar sobre el lienzo de su creación.
Cuando yo pinto un retrato regreso y regresos a mis bocetos y cada vez es un nuevo retrato que empiezo a pintar. No es uno que estoy mejorando, sino uno un poco diferente que empiezo otra vez y cada vez extraigo de la misma persona un mismo ser.
Con la finalidad de hacer de este escrito algo más completo debo decir que siempre tengo como recurso fotografías de la misma persona a diferentes edades y el resultado final puede mostrarla más joven o de diferentes aspectos de los cuales representaba al momento de posar. La razón es que ese es el aspecto el que me pareció más valedero, el cual reveló la personalidad del que posó.
De esta manera es como una obra de arte es el clímax de un largo trabajo de elaboración. El artista toma de su alrededor todo lo que puede nutrir su visión interna, sea directamente cuando el objeto dibujado aparece directamente en su composición o aun por analogía. De esta manera él se pone dentro de una posición donde él puede crear. Él se enriquece internamente con todas las formas que él ha creado y a las cuales él asignará un nuevo ritmo.
Es en la expresión de ese nuevo ritmo que el trabajo del artista se hace realmente creativo. Para alcanzarlo, él tendrá que tamizar más que acumular detalles y seleccionar por ejemplo y de todas las posibles combinaciones las líneas que más expresan y dan vida al dibujo y buscar los términos equivalentes por los cuales los hechos de la naturaleza son trasferidos al arte.
En mi naturaleza muerta con magnolia, pinté una mesa de mármol en rojo, en otro lugar hubiera usado negro para sugerir el reflejo del sol sobre el mar. Todas esas transferencias no fueron ni cuando menos un capricho ni casualidad sino el resultado de una serie de investigaciones, siguiendo las cuales esos colores los veía como necesarios porque su relación con le resto de la composición en el sentido de dar la impresión que yo quise.
Los colores y las líneas son fuerzas y el secreto para su creación yace en el juego y balance de esas fuerzas.
En la capilla en Vence la cual es el resultado de investigaciones más tempranas, he tratado de lograr ese balance de fuerzas; los azules, verdes y amarillos de las ventanas componen una luz dentro de la capilla la cual no es estrictamente ninguno de los colores empleados, pero es el resultado viviente de su mezcla mutua, en esa luz hecha de los colores empleados traté de jugar sobre todo con el blanco y el blanco de zinc propio de la superficie de la pared que miraba sobre las paredes que miraban a las ventanas sobre las cuales las líneas estaban propuestas para acomodarse aparte. El contraste me permitió dar a la luz su valor máximo de vitalidad para hacer su máximo y elemental valor esencial, coloreándolas, calentándolas y animando toda la estructura a la cual deseaba dar una impresión de espacio ilimitado a pesar de sus pequeñas dimensiones. Através de la capilla toda línea y todo detalle contribuye a dar esa impresión.
Ese es el sentido en que a mi me parece que el arte puede ser señalado de imitar la naturaleza y en el cual el trabajador creativo insuflará vida a la obra de arte.
De ser así, el trabajo realizado lucirá fértil y como poseído de la misma fuerza de emocionar al mismo tiempo que resplandecientemente bello y como lo encontramos en obras de la naturaleza.
Un gran amor es necesario para alcanzar ese efecto, un amor capaz de de inspirar y sostener ese esfuerzo con la constancia requerida hacia la encendida y calida verdad y la analítica profundidad que acompaña el nacimiento de la obra de arte.
Entonces, ¿no es el amor el origen de todas las creaciones?
AUTOR: HENRI MATISSE
TÍTULO/AÑO: STILL LIFE WITH A MAGNOLIA/ 1941
Técnica/materiales: Pintura/óleo sobre tela
Dimensiones: 73 x 100 cm.
Lugar de ubicación: Musée Nazional d'Art Moderne Centre Georges Pompidou, Paris
Fuente: [En linea] http://www.henri-matisse.net/paintings/dp.html . Intervenida en 12/06/2011 9:50hrs.
Capilla de Vence
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